Об искусстве и творчестве говорить всегда интересно. Особенно с профессионалом, который не просто знает и любит своё дело, но никогда не останавливается на достигнутом. У преподавателя художественных дисциплин Камышловского педколледжа К.В. Мохирева свой неповторимый подход к обучению, нередко проходят выставки его собственных работ и работ его студентов. Он никогда не повторяется в своём творчестве, и беседовать с ним об искусстве было большим удовольствием.
– Константин Викторович, кто такой художник?
– На мой взгляд, тот, кто живёт искусством, мыслит объёмами, пространственными категориями, для повествования использует средства композиции, цвет, символы и общается с окружающими людьми через свои произведения. Настоящие художники, с которыми я знаком, постоянно пишут картины. Это их основное занятие или хобби, которому посвящают всё своё свободное время.
– А это не скучно, если ничего другого нет?
– В искусстве нет скучного. Когда работаешь, над любым творческим проектом, всегда выражаешь свои мысли, состояние, настроение, отношение – это каждый раз что-то новое, а значит, и способ выразить мысли, и подход и средства выразительности, в результате новое – решение. Вынашиваешь идею, думаешь о ней, подбираешь средства выразительности. В этой работе в принципе нет скуки. Иногда слышу от студентов, что им скучно выполнять работы в одном жанре, например, натюрморты. Они говорят: надоели натюрморты, хотим портреты. А я объясняю: настоящий художник всегда найдёт интерес в любой работе, даже в той, что не желает делать. Для художника, на мой взгляд, сам процесс работы над произведением наиболее интересен. Найти такой язык изобразительного искусства, который позволит передать своё отношение к изображённому сюжету, к портрету, натюрморту, пейзажу. Или передать настроение, что он испытывает через цвет и его собственные и не собственные свойства. И фактически этот язык позволяет художнику всегда делать необычные, неповторимые работы.
А если мастера повторяют работы много раз отработанными приёмами, словно на конвейере, где каждый задействован на выполнении одного элемента композиции, то это уже не художник, это ремесленник.
Художники делали копии своих работ, но они никогда не были точными, как минимум, отличались по цвету. Потому что в тот момент, когда он её выполняет, у него другое состояние, а прежнее эмоциональное состояние уже не повторить. По крайней мере, у меня так. Когда я начинаю работать над каким-то проектом, он у меня в мыслях – формируется идея, вынашивается замысел. Потом выбираю средства выразительности, подбираю материалы. И это достаточно много времени занимает. Поэтому, меня больше увлекает сам процесс создания, а не конечный результат. Мне кажется, художник всегда работает с интересом, отчего сам процесс работы никогда не надоедает. Как показывает практика, большинство художников не всегда довольно своим результатом, поскольку стремятся к идеальному воплощению соей идеи.
– Вы больше художник или педагог?
– Больше педагог, потому что у меня не всегда достаточно времени, чтобы заниматься только творчеством. Тем не менее, периодически создаю работы, позволяющие выразить мои идеи. Даже в учебном процессе, например, при постановке натуры, я вкладываю своё настроение, отношение. В каждой работе, даже учебной, ищу интересное зерно, позволяющее мне повысить свои умения и сформировать необходимые навыки. Так погружаюсь в состояние художника.
– Вы сопоставили художника и ремесленника. А на специальности «декоративно-прикладное искусство» учите студентов быть больше художниками или ремесленниками?
– Прежде всего готовим к художественной деятельности, потому что у нас нет цели обучать какому-то одному промыслу. Мы готовим специалистов широкого профиля, владеющих разными технологиями, что позволит им стать самостоятельными художниками, художниками в сфере культуры или педагогами дополнительного образования. В рамках программы подготовки студенты учатся создавать и разрабатывать авторские изделия, копировать и варьировать мотивы, необходимые для создания изделий. Хотя в процессе этой подготовки мы, что называется, «набиваем руку». Основной упор идёт на авторские изделия. Ремесленник же чаще всего отрабатывает что-то одно. Например, выполнение художественной росписи по дереву предполагает получение навыка выполнения мотивов и отдельных элементов росписи по заданному канону до автоматизма. Ремесленники чаще всего работают в рамках канона и иногда создают авторские композиции, но это крайне редко. Поэтому художник декоративно-прикладного искусства должен уметь создавать как новые композиции, так и работать как ремесленник – только повторяя сложившиеся традиции.
– Вы даёте основы классического художественного изобразительного искусства?
– Что касается рисунка и живописи, придерживаемся классического варианта изображения, изучаем как классические, так и нетрадиционные приёмы и техники, обогащающие авторские работы. Классические подходы позволяют изучить способы достоверного изображения окружающей действительности и на основе этих знаний сформировать свой авторский изобразительный стиль или язык. Иногда на замечания о допущенных ошибках в работах студенты говорят: я так вижу! Пряча так свой непрофессионализм за авторским видением – это неверно.
Очень часто окружающие, далёкие от изобразительной деятельности, просят быстро что-нибудь изобразить. И никто не задумывается, что когда художник работает, у него в этот момент всегда идёт глубокий мыслительный процесс построенный на знаниях. В работе нельзя допускать непродуманности, случайности, настоящий художник всегда стремится упорядочить хаос, сделать его максимально выразительным. Со стороны будет смотреться естественно: как будто художник что-то случайно увидел и просто изобразил. А для самого художника это всегда чёткая, упорядоченная, продуманная, выстроенная композиция. Сегодня современное искусство больше уходит не в способ передачи реальности, а в идеи, ассоциации. Большинство пытается выразить себя через искусство символов. Любой художник передаёт своё отношение к внешнему миру через свои творения.
– Какие дисциплины вам больше нравится преподавать?
– Предпочтений нет. Нравится всё, особенно осваивать новое. Раньше графикой занимался больше, так как не сразу понял, что значит работать красками, создавать живописные произведения. Карандаш был любимым инструментом. Я много рисовал ручкой – для того чтобы научиться рисовать так, чтобы допускать как можно меньше ошибок. Карандаш можно исправить, а рисунок ручкой, пером и тушью – нельзя. Поэтому мне так нравится работать пером. Я даже предварительного рисунка не делаю, когда тушью работаю. Представляю, как предмет будет расположен, выверяю, где будет габаритная масса, и в рамках этой габаритной массы начинаю работать. Например, писал акварелью натюрморты без предварительного рисунка карандашом, шёл от пятна. Фактически не строил предмет, и получилось реалистично.
Когда мы со студентами готовимся к освоению техники акварели, изучаем базовую школу конструкции предметов через рисунок, последовательность работы с цветом, так как акварель не терпит ошибок. Когда переходим к гуаши, даю задание, чтобы делали работу без предварительного рисунка. Берём краску и фоном задаём очертания предметов – появляется пятно предмета. Потом берём базовый цвет предмета, свет и полутень, соединяем свет и тень и тем самым выделяем детали и строим предметы. У многих так не получается: даже красками начинают рисовать конструкцию предмета.
– То есть в искусстве всегда надо уходить от стереотипов?
– Видеть композицию целостно, равновесие пятен, форм – это отход от стереотипного мышления. Конечно, нельзя сказать, что художник совсем не должен стереотипно мыслить. В искусстве сложились особые языковые символы, и, по большому счёту, свои символы есть в любой работе. Когда мы смотрим на произведение искусства прошлых веков, надо «читать», что понимал автор под каждым предметом. Например, есть такой вид натюрморта – «пять чувств», когда художник изображает пять человеческих чувств через различные предметы. При этом каждый делает по-своему. Мы видим фрукты, цветы, предметы, а каждая деталь, находящаяся внутри композиции, несёт скрытый смысл. Любой художник подбирает средства, которые помогут рассказать его идею – в этом и заключается искусство. Оно не стереотипно и содержит жизненные смыслы и знакомые всем символы.
– У вас есть предпочтения в жанрах, материалах, с которыми работаете?
– Мне интересно со всем работать. Каждый раз чему-то учусь. И очень интересно смотреть, как работают другие. Когда я поступил в наш педколледж, не получалось работать цветом. Очень нервничал, не понимал, как смешивать цвета. Приходил к своему педагогу Елене Анатольевне Петуховой, она давала разные задания. Например, нарисовать белый предмет без белой краски, затем – чёрный предмет без чёрной краски. И только когда я сам решил эти задачи, мне стало понятно, что такое живопись. Потом, тренируясь на натюрмортах, изучил, что такое свет, тень, полутень, блик, рефлекс, падающая тень – то есть их цветовую формулу. И это пришло только с опытом. И когда ты решаешь определённую художественную задачу, ты не одно и то же делаешь. Каждый раз у тебя какая-то другая проблема. И ты её решаешь. Поэтому это никогда не скучно. И, конечно, работать разными материалами очень интересно.
– Сейчас довольно много обучающих курсов и школ в интернете, все обещают: мы сделаем из вас художников. Как считаете, это возможно?
– На таких курсах хорошо объясняют, показывают. В данном случае работает метод копирования, а это самый распространённый метод обучения изобразительному искусству. Первый этап, который проходит любой художник. Копируют прежде всего композицию. Зачем художники ходят в галереи и что-то зарисовывают? Они изучают работы коллег. Изучают композицию произведения, внутренние связи внутри картины – между предметами, героями, персонажами. Ищут силовые линии (например, направление взгляда одного персонажа в сторону другого или поворот одного предмета в сторону другого). В своё время нам преподаватели говорили: живопись – это легко, стоит только понять. А вот это уже сложно. Поэтому в данном случае важно понимание процесса. Да, можно показать последовательность, алгоритм работы. Но выполняя ту или иную операцию, мы можем не обратить внимание на нарушения законов композиции или цветопередачи, что лишит работу выразительности.
– То есть рисовать может научиться любой?
– Мы принимаем на специальности ИЗО и ДПИ всех желающих, потому что научить рисовать можно. Но выйти на уровень мастера – это уже зависит от человека. Как говорят, талант – это всего 10% от успеха, остальное – труд. Если художник будет виртуозно владеть техникой, он может стать хорошим мастером, но не стать великим. Поэтому мы сначала изучаем классику, великих художников, признанных во всём мире, а потом интерпретируем их опыт, чтобы создавать что-то своё, возможно новое.
– Благодарю за интересные ответы, желаю творческих успехов и талантливых учеников!
Галина ШИПИЦЫНА
Фото: Выставка Константина Мохирева в 2016 году.
© Редакция газеты «Камышловские известия»
